Kiadó:
Shrapnel Records

Honlap:
facebook.com/thedarrenhousholder

Egy felszámolt CD üzletből évekkel ezelőtt megvásárolt (kb. 800 darabos) CD táram/polcom betelt, így ma már csak nagyon indokolt esetben veszek lemezeket. Egyetlen és kötelező kivétel van; ha külföldön járok, föl kell keressek egy lemezboltot (ez manapság már jobbára csak second hand...), és kell vegyek egy lemezt emlékbe, lehetőség szerint az adott ország előadójától (New York/TSO, Helsinki/Michael Monroe, Stockholm/Crashdiët stb.), a tokba pedig beleteszem az üzlet blokkját és matricáját (már ha van nekik, de általában van.)

Múlt héten Rómában jártam egy jó kis turiban, ahol ugyan nem olasz előadó lett végül a zsákmány, hanem egy Mike Varney által fölfedezett gitáros. Megörültem, mert gyűjtö(tte)m ezeket az instru Shrapnel cuccokat, de nem könnyű ma már a hiányzókat beszerezni.

Darren máig aktív zenész, hosszú rőzse a búrán ugyan nincs már, kockahasa viszont de, ami nem kis teljesítmény 60 évesen, bár nyílván nem utóbbi van fókuszban a blogon. Berklee College of Music növendék volt a jó Darren (ahogy a Dream Theater törzsgárdája is), ez önmagában annyit jelent, hogy technikailag mindent tud a gitározásról, úgy (zene-)elméletben, mint gyakorlatban. Velük szemben szokták fölhozni kritikaként, hogy muzsikus gépek, egyéniség és saját, önálló zenei gondolatok nélkül.

Ez egy általánosító, lesajnáló bélyeg, amely a többségre ráadásul nem is vonatkoztatható. John Mayer vagy Diana Kroll pl. nem annyira futószalag muzsikusok, ugye... Darren nyílván nem említhető egy lapon velük, de debütáló lemeze azért nagyon is figyelemreméltó megjelenés. Mike Varney egyébként sem vádolható azzal, hogy ne lett volna szimata a lemezszerződésben reménykedő nagyon sok gitáros közül kiemelni a kevés, arra igazán érdemeseket.

A trióban rögzített anyag (Ray Luzier - dob, Andrey Berry - bőgő) '92-ben jött ki. Ekkor már túlvoltunk a shredder-boom forradalmi időszakán. A rock-funk-blues tengelyen elhelyezhető muzsika rendkívül impresszív bemutatkozás, annak rendje s módja szerint be is ragadt a lejátszóba. Nehéz megfogalmazni, de van ezeknek a lassan már 35-40 éves Shrapnel-shredder lemezeknek egy sajátos, szerethető hangulata, a bátran demonstrált, fölényesen könnyed technikai tudáson túl a kompozíciós, dalközpontú megközelítésük, amely a mai instrumentális lemezekből számomra már sokszor hiányzik. Ezeknél is lenyűgöz a technikai tudás, de közel sem tudnak annyira közel kerülni hozzám. Előbbieknél ifjonti tüzet, forradalmi, úttörő ihletettséget érzek, utóbbiaknál már "csak" végtelen profizmust, tökéletességet.

Housholder világa talán Greg Howe-hoz áll legközelebb. Remek, de nem szájbarágós dallamok, sokadik hallgatás után is találok benne izgalmat, ráadásul ritmusgitátozásban is erős, ami plusz ízt ad az anyagnak. Gitárosoknak, instru-barátoknak bátran ajánlom, sok örömük lesz benne, a mezei rockrajongó nem biztos, hogy tudja majd értékelni, mert csak beavatottaknak tárja föl értékeit.

Túrisas

Kiadó:
Inside Out Music

Honlapok:
www.dreamtheater.net
facebook.com/dreamtheater

A koncertfelvételek többségének már régóta semmi értelme nincs, legalábbis audio élményként. Hol vannak már azok az idők, amikor egy Rainbow vagy Deep Purple akár tíz, de nemegyszer húszpercesre is hizlalta egy-egy dalát, telis-tele váratlan, egyben izgalmas hangszeres megoldással?! Nem látom be a miértjét, de elfogadom, hogy erre most talán kevésbé van igény befogadói részről. Fene megette, de ez van. Ha a zenekar hangról hangra ragaszkodik a lemezváltozathoz (és manapság inkább ez az általános), akkor már csak az ment meg egy koncertanyagot, ha a közönség extázisban tombolja/énekli végig a bulit és mindez hallható is (pl. a Maiden koncertek többsége).

A párizsi közönség ezzel szemben visszafogott, illedelmes hallgatóság, a zenekar pedig (ezúttal) érthető okokból nem változtat a legutolsó hangig megkomponált dalokon, egyetlen dalt kivéve. A "Hollow Years" teljesen más, mint a lemezen, bár spontaneitás itt sincs, már a Budokanban felvett koncertanyagon is ez a hosszabb változat szerepelt. Állat, szó se róla, Petrucci szólója embertelen, de csak ezért nem vettem volna meg a CD-t.

Audio élményként tehát számomra teljesen érdektelen a cucc, a lényeg viszont nekem nem is ez. Itt a teljes koncert két Blu-ray korongon, ez pedig természetesen megindokolja, sőt kiköveteli a vásárlást, még akkor is, ha a zenekar koncertkatalógusa amúgy tekintélyes DVD/Blu-ray fronton (is). A londoni koncerten rögzített "Distant Memories" (2020) van legközelebb időben és minőségben, sőt kiállításában is a mostani anyaghoz, de azóta visszatért Portnoy, úgyhogy az indokoltságát nem kell magyarázni, de egyben remek alkalom párhuzamot vonni a két hasonló megjelenés között.

Ha van is, nem érezni igazán a felszabadult örömet a tékozló fiú visszatérése kapcsán. Rudess és Mangini a második sorban szinte végig szórakoztatják egymást a londoni koncert alatt, most ez nem látványos a Rudess-Portnoy relációban, noha LaBrie a "my brother from an other mother" szavakkal mutatja be a visszatérőt. A kép és hang viszont egyaránt tökéletes, a vetítésekkel és szép fényekkel koreografált színpadkép is hasonló színvonalú mindkét esetben. Azon azért most felhúztam magam, hogy ezúttal a kamera el-elkalandozik Petrucci szólói alatt. Mert olyan mégse legyen már egy DT koncertfilmen, hogy pl. az "Under A Glass Moon" szólója nincs zoomolva, sőt másodpercekig mást látunk. Ejnye!!!

A szetlista összehasonlitása viszont nem lenne korrekt, mert a londoni a "Scenes..." évfordulós turnéja volt, ahol lement az egész lemez, azzal pedig nehéz versenyezni. Ezzel együtt azért én most néztem volna mást a "Barstool Warriors", "Constant Motion" sőt a majd félórás "Octavarium" helyett is, de belátom, ez teljesen szubjektív, más meg éppen ezeket látva borul térdre. Ilyen ez, ha egy zenekar ekkora és ilyen színvonalú életművel a háta mögött koncertezik.

Szerencsére a technika mára lehetővé teszi, hogy egy-egy koncertélményt szinte teljes valóságában újra átélhessünk a nappaliban. Ezért nem igazán tudok érvet a minőségi koncertkiadványok kötelező beszerzése ellen. A 3CD+2Blu-ray 7999 Ft-os ára is fogyasztóbarát. Fogyasszuk hát, egészséggel!

Túrisas

Kiadó:
Napalm Records

Honlap:
facebook.com/bloodboundmetal

Blogunk csapatában egyöntetű vélemény, hogy a svéd Bloodbound alkotói csúcsát egy olyan zenei spin-offal érte el, aminek sem előzménye, sem folytatása nem lett, holott a szigorúbb utakra tévedő "Tabula Rasa" úgy tartotta meg az együttesre jellemző dallamosságot, hogy a riffek kőkemény aprításával igazából nem kellett semmilyen kompromisszumot kötniük, és jóllehet, a háziasszonyok már nem biztos, hogy a kitüntetett album dalait hallgatva készítették el a vasárnapi ebédet, ám a metal zenei kritikai közvélemény egyöntetűen szavazta meg lemezt az addigi pályafutás legjobbjának.

Úgy látszik azonban, hogy több háziasszony hallgatta a csapatot, mint ahány kritikus, így sajnos a következő album már nemcsak egy jóval kommerszebb hangvételre váltott, de az "instrumentalisták" kénytelenek voltak az új irányvonallal egyet nem értő Urban Breedet – aki karriere során többször volt elégedetlen, mint elégedett, így együtteseinek száma közelít a "lapos föld" hívőkéhez, akiknek csoportja, hála a közösségi média sokszor butító jellegének, évről évre egyre nő – útjára bocsájtani.

S hogy mégis, mi az, ami az egyébként tökéletes himnuszokat gyártó együttest megkülönbözteti a "zenei kapudrog"-ként szolgáló – a gonoszabb hallgatók szerint lakossági metalt játszó – hasonszőrű Powerwolftól, Sabatontól, vagy a disco-metalt a köztudatba robbantó Battle Beasttől? Poénként az szolgálna, hogy semmi, de ha jobban megvizsgáljuk az együttes lemezeit, akkor rájöhetünk, hogy két dolog is van, ami miatt érdemes a közös köpönyegből kihúzni őket: a gitárokat kezelő testvérpárosnak a dallamhalmozás során ugyanis gyakran "elsül a keze", és a neoklasszikus futamok úgy rúgják feljebb a színvonalat, ahogy Kína az elmúlt évtizedekben a nemzeti össztermékét, emellett a dobmunka sem volt – eddig – annyira monoton és ötlettelen, ami sajnos jelen etapra az "ugye megmondtam” közönség örömére megalkotta az együtemű dobolás zenei mértékegységét, a sz.a.r.t....

Ettől függetlenül, aki eddig szerette a Patrik Johansson énekes fémjelezte korszakot, az most sem fog csalódni, mivel az együttes, amelyik olyan indulót tud hangjegyekbe kalapálni, mint a remek gitárszólóval is ellátott "As Empires Fall", megérdemli a figyelmet – nekem azonban ennyi már kevés. Hiába a remekül sikerült refréncsokor és az élvezetes gitármunka, ha a lemez – utolsó két dalát leszámítva – ugyanabban a tempóban és ötlettelen dobjátékkal darálja le a kötelező köröket, melyek ősforrásában könnyen felfedezzük a Hammerfallt, amiből következően annyi a dalokban az izgalom, mint Tarr Béla filmrendező díjakat nyert eposzaiban.

Mindezektől függetlenül senkit sem akarok elriasztani a lemeztől: ha csíped a stílust, garantálom a hallgatás közbeni dopaminlöketek megindulását az agyban, ráadásul a dallamok megfelelően kommerszek ahhoz, hogy anyunak megmutatva bármelyiket, szavak nélkül is bizonyítani tudjad, miszerint a metal és a tánczenei koktélon szocializálódott nagyérdemű metszete nem feltétlenül eredményez üres halmazt.

Ui.: A "The Nine Crusaders" klasszikus zenei ihletésű gitárszólója sok mindent megbocsájt, milyen kár, hogy ezt leszámítva a fiúk úgy ragadnak a biztonsági játékba, mint a pánik az előre be nem jelentett dolgozat előtti öt percbe.

Garael

Kiadó:
Kingmaker Management

Honlapok:
www.nickdvirgilio.com
nickdvirgilio.bandcamp.com
facebook.com/ndvofficial

A Genesis-rajongók igazán nem panaszkodhatnak 2025-ös esztendőre. A zenekar 1974-es híres konceptalbuma, a "The Lamb Lies Down on Broadway" tavaly "töltötte be" az 50. életévét. Ennek okán idén szeptemberben egy deluxe, ötlemezes, remaszterelt kiadása jelent meg. Dave Kerzner Sonic Elements kollektívája tavasszal kiadta az album félig zenekari filmzeneként újragondolt változatát "IT — A 50th Anniversary Celebration of The Lamb Lies Down on Broadway by Genesis" címmel. Steve Hackett, a Genesis egykori gitárosa pedig a nyár folyamán egy új koncertalbumot jelentetett meg "The Lamb Stands Up Live at the Royal Albert Hall" címmel, amelyet az aktuális Genesis Revisited turnéján rögzítettek, és amelyen a zenész az eredeti album néhány általa is társszerzőként jegyzett dalát eleveníti föl.

A koktélcseresznyét Nick D'Virgilio (Spock's Beard, Big Big Train, stb.) teszi föl a vastag tejszínhabréteg tetejére egy sajátos tribute-jellegű albummal, amit Mark Hornsby producer/hangmérnök segítségével álmodott meg még 2008-ban, de hanghordozón most először vehetjük kezünkbe az elkészült és idén még föl is tuningolt produktumot. Valódi tribute-albumról van szó, ahol nem egy az egyben hangzanak el a régi dalok, hanem áthangszerelve, kisebb-nagyobb változtatásokkal. Az elképzelés az volt, hogy nem ismert muzsikusokat kérnek föl a projektre, hanem a Nashville-i "zeneipar" hétpróbás stúdiózenészeit: lehet, hogy nem ismerjük a neveket, de kétség sem férhet hozzá, hogy a hangszeresek krémje lett fölvonultatva... Az egyetlen ismerős közreműködő Steve Hackett, aki utólag néhány gitárszólóval járult hozzá az erőfeszítéshez.

A duplalemezes rockopera Peter Gabriel Genesis-ben töltött munkásságának záróakkordja lett. Már a lemez munkálatai közben nyilvánvalóak voltak a "repedések" a banda és a legendás énekes között, aki a turné után ki is szállt. A feszültségek szerencsére nem hagytak nyomot a szerzeményeken, hiszen a kritkusok utólag egyetértenek abban, hogy a Genesis Peter Gabrieles korszakának ez az album nemcsak a lezárása, de bizonyos értelemben a csúcspontja is volt. Vitathatatlan, hogy a progresszív rock műfaj egyik alapművével van dolgunk, amely megérdemli a modern szellemiségű, rajongva tisztelgő földolgozást.

D'Virgilio koncepciója kezdettől fogva az volt, hogy nem szolgai módon reprodukálja az eredeti lemezt; ami pl. az énekét illeti, meg sem próbálta Gabrielt utánozni - ez az unikális frontember teljesen sajátos stílusa, manírjai és hangszíne miatt lehetetlen is lett volna. Néhány nóta teljesen át lett hangszerelve, ráadásul a legendás Abbey Road Studiosban kapott némi nagyzenekari vonóskíséretet is. Nem is látom értelmét a további részletezésnek. Ezt egyszerűen hallani és élvezni kell - megéri a ráfordított több mint másfél óra minden percét. Soha rosszabb tribute-ot!

Tartuffe

Sainted Sinners: High On Fire (2025)

Azt tudtad, hogy Hirleman Bercinek van egy közös bandája David Reece-szel? Ha nem, akkor jó, mert nincs is. De volt. A Sainted Sinnersben kezdetben még az ex-Accept vokalista tolta, 2020 óta viszont már Jack Meille (Tygers Of Pan Tang) áll a mikrofon mögött. A sokad vonalban nyomják - ez már az ötödik lemezük - kvázi ismeretlenül. Pedig zeneileg eléggé rendben vannak, nem itt lenne a helyük. Maga a tagság is impozáns, aranytorkú Jacopo mellett Bonfire, Gotthard és ex-Freedom Call muzsikusok verődtek itt össze egy kis öröm-bazseválásra (és hát, ugye, a mi Bercink sem nyeretlen kétéves).

Egy külföldi blog úgy jellemezte őket, mint amikor a Kiss találkozik a Deep Purple-lel. És tényleg, azzal a kiegészítéssel, hogy a Kiss helyett/mellett akár a Poisont is mondhatnánk. Az összhatás valahol a Danger Danger – HOL vonalon landol. Stadion metal at its best, ahogy a művelt francia mondja, a '90-es évek elejének teljes pompájában és grandiozitásában. Még egy  kis hazabeszélés a végére: a korong slágerének (Sunshine) kezdő riffje a világ többi részének alighanem Lenny Kravitzot villantja fel, mint lehetséges inspirációt, de a magyar huligánok tudni fogják, hogy ezt alighanem egy királylány ihlette.

Testament: Para Bellum (2025)

Mikor ment át a Testament modern metal zenekarba? Ti tudjátok? Nos, nálam ez a transzformáció kimaradt. Hozzá kell tegyem, sosem csengtek egybe a hullámhosszaink: mire a "Legacy" megjelent, már régen eldőlt, hogy a Metallica, a Megadeth és a Slayer lesznek a kedvenc thrash csapataim – futottak még Anthrax és Overkill. Érdekes, ha az öt legjobb (rám legnagyobb hatást gyakorló) műfaji albumot kérdeznéd, a "Bonded by Blood" és az "Infenal Overkill" biztosan ott lenne a listán, hosszú távon az Exodus és a Destruction mégse tudta tartani tempót. Egy szó, mint száz, a Testament nálam megragadt a másod-harmad vonalban, úgy emlékszem, valahol a "Souls Of Black" tájékán el is engedtem őket, ami azt jelenti, nem vettem tőlük már hanghordozót, másra költöttem a nehezen megkeresett zsetont.

A "Para Bellum"-ról viszont jókat hallottam, ezért belehallgattam. Aztán bele is ragadtam egy időre, mert bivalyerős zúzdát hoztak össze a kaliforniaiak. Egyetlen szépséghibája van: a produkció legalább annyira death, mint thrash. Hovatovább, a black metalos károgás és blastbeatek is rendre előkerülnek. Ismertek, nálam a hörgés és a károgás csak mértékkel, színesítő elemként működik, de itt jó érzékkel keverednek ezek az elemek a hagyományosabb megoldásokkal. Meghalt egy közepes thrash banda (na, ezért majd kapok), de megszületett egy bika modern metal zenekar. Soha rosszabb cserét!

Mausoleum Gate: Space, Rituals and Magick (2025)

Omegás kezdés után jön a P. Mobil. Az első benyomás az album egészét leírja: a '70-es évekből táplálkozó, enyhén progresszív space rock keveredik itt billentyűkben bővelkedő, Hammond-bűvöletben megmártózó old school hard rockkal, de néhol a nyolcvanas évek elejét is megkarcoljuk egy-egy proto-metal riffel és megoldással; mondjuk konkrétan az Angel Witch jutott az eszembe néhányszor. Összességében olyan korai Magnum, Heep és Scorpions érzete van, szigorúan az első néhány lemez környékéről, de ha párszor beugrik a Black Sabbath és/vagy az első két Ozzy, akkor sem jársz rossz helyen. Az elvont, okkult szövegvilág és a pszichedélia sem áll távol tőlük, úgyhogy nem veszünk össze a Hawkwinden és a Witchfinder Generalon sem.

Úristen, már megint egy retro brigád, nem unalmas ez még? Nem. Így nem. Tudniillik, a sokféle hatás teljesen organikusan, erőlködés és izzadtságszag nélkül fonódik egybe a finn csapat zenei világában. Hangulatteremtésből ötös a „Space…", miközben bealudni sem kell rajta, vannak itt csipegetős-bólogatós témák is. Harmadik nekifutásra ez teljesen rendben van. És most olyat mondok, hogy lehet, magam is megbánom: a Ghost rajongókat kifejezetten megtalálhatja ez a megközelítés. T.i. kétségkívül rock, de nem túl harsány, ugyanakkor a hangulatos és alapvetően ártalmatlan muzsikához kicsit okkultabb atmoszféra és szövegvilág tartozik. Hát, ha még maszkot is viselnének! ...

Kotta

Kiadó:
Madfish

Honlapok:
www.spocksbeard.com
facebook.com/spocksbeard

A prog-közösség médiafelületein hónapok óta újra és újra megjelenik a "The Beard is back!" üzenet, amely egyszerre a meglepetés és az öröm kiáltása. Az amerikai prog-óriás története az utóbbi időben elég hányattatott volt. Kulcsfigurákat és meghatározó dalszerzőket veszítettek el, egyiket a másik után. Neal Morse, Nick D'Virgilio, Jimmy Keegan és a háttérember, John Boegehold - mind távoztak. Elképesztő, hogy a csapat ezek után is föl tudott állni a földről! Ez bizonyítja, hogy itt mindenki - nem túlzok: mindenki! - korszakos zseni. Megrázzák magukat, leporolják a gúnyát, beszerveznek egy külsős dalszerzőt segítségül (jelen esetben: Michael Whitemant), és mennek tovább, mintha mi sem történt volna...

Az új "karmester" a hírek szerint Ryo Okumoto, a különc és bolondos billentyűs, aki nem is olyan régen még egy hiánypótló és egész pofásra sikeredett szólóalbummal is jelentkezett. Jimmy Keegan átigazolása után a Beard "árnyékbandájába", a Pattern-Seeking Animalsbe Mike Thorne dobolt náluk, de ezt a lemezt már az általam korábban egyáltalán nem ismert Los Angeles-i dobos fenomén, Nick Potters játszotta föl. Nyilván a bandához méltó kiemelkedő kompetenciával. Állítólag több hangszeren játszik és jól is énekel, ami - valljuk be - alapkövetelmény ebben a kollektívában.

A legutóbbi, 2018-as "Noise Floor" kritikájában arra a kijelentésre ragadtattam magam, hogy: "Habitusomból adódóan én szeretnék valamivel több hangszeres részt, szólót, elszállást hallani". Olyan mázlim (mázlink) van, hogy a "The Archeoptimist" tökéletesen megfelel ennek a kívánalomnak. Megint van nagyepika (a címadó pl. 21 perces), Alan Morse gitáros újra hajtóerőként működik, és még új hatások is megjelentek a kompozíciókban: a címadó középrésze pl. tiszta Toto, a lemezt záró tételt (Next Step) pedig határozottan a Genesis és Tony Banks szelleme járja át. Az új dalszerzők dominanciája miatt most a dallamok is eltérnek a Neal Morse által anno meghatározott, idővel már kicsit kiismerhetővé vált (egyesek szerint olykor negédes) "kánon"-tól.

Az album egyik csúcspontja az "Afourthoughts". Ez immár a "Thoughts"-sorozat negyedik darabja, amelyet még Neal Morse indított útjára 1996-ban. Az "Afourthoughts" jól hallhatóan többször visszautal az előző etapokra, így bőven rászolgál a névre való hivatkozásra, ugyanakkor újabb zenei elemeket is beépít a tematikába.

Ha valaki alaposabb, számról-számra haladó elemzést kíván olvasni a lemezről (és persze tud angolul), annak föltétlen ajánlom a The Prog Report oldal nagyszerű recenzióját. Én is vagyok olyan lelkes mint "Prog Nick" - ha ékesszólás tekintetében alul is maradok vele szemben. A "The Archeoptimist" alighanem szöszmötölősebb lemez az elődeinél, azaz: kicsit többet kell vele ismerkedni, barátkozni, de megéri, mert a szokásos dimenziók nem szűkültek, sőt talán még tágultak is egy kicsit. Azt kell mondjam, erősre sikerült ez a november. Kiváló lemezek jelentek meg, köztük ez a garantáltan toplistás Beard anyag is. Soha rosszabbat!

Tartuffe

Kiadó:
Frontiers

Honlap:
facebook.com/treatofficial

Ha nem is töretlenül, de a Treat 1985 óta a skandináv dallamos rock világának élvonalába tartozik. Ha volt is a karrierjükben egy törés - csakúgy, mint a másik svéd legendának, a Europenak - az ujjáalakulás nagyszerűen sikerült - köszönhetően a nápolyi Frontiers kiadónak. Azóta már többször nekifutottak annak, hogy végleg elköszönjenek a rajongóktól, de (s ezt most nem panaszból mondom) valamiért mindig visszajönnek, mint a közmondásos részeg vendég...

A Treat most kihúzta a dzsókert (wild card) a pakliból. Sokadjára is nyerő a leosztás - nem tudom, hogy kinek van nagyobb szerencséje: nekik vagy nekünk, akik a karrierjük során tizedjére, a sikeres reunió óta pedig ötödjére kapunk tőlük világszínvonalú nagylemezt. Fogalmam sincs, hogy folytatódik-e még a történet, hiszen - sajnos nem először - az együttes újra megfenyegette a fanokat azzal, hogy leteszi a lantot. Azt mondták ugyanis, hogy 2026 februárjában búcsúturnéra indulnak Japánban. De miért csak ott? Nekünk itt, Európában nem jár egy érzelmes elköszönés?

Anders Wikström gitáros, a csapat lelke és fő dalszerzője így nyilatkozott a lemezről: „Úgy indultam neki az albumnak, hogy egy olyan zenei idővonalat hozzak létre, amely az egész karrierünket felöleli, és minden dal zeneileg és szövegileg is hordozza ezt az üzenetet. Teljessé teszi a kört a zenekar számára — valami olyasmit valósít meg, amit már az előző, The Endgame című albumunkkal is terveztem, és most végre befejeztem." A prómóciós szöveg ezután így folytatódik: „Ezt az albumot magunknak és a rajongóknak készítettük, és a producerünkkel, Peter Månssonnal együtt még jobbá váltunk abban, amit csinálunk. Ez az első albumunk, amelyben valóban van egy beágyazott történeti idővonal — finoman, de mégis érezhetően — az 1980-as évek elejétől egészen napjainkig, és minden dal önállóan is megállja a helyét a tőlünk telhető legjobb számok gyűjteményében.”

Már meg sem lepődünk azon, hogy a veterán rockerek hibátlan teljesítményt nyújtanak az albumon. Persze nem állítom, hogy minden egyes szerzemény tökéletes vagy potenciális listavezető, de nem találok rajta egyetlen gyönge pillanatot sem, csúcspontokat viszont annál többet. Nyilván Wikström minden gitárszólója ilyen csúcspont, de a dalcsokor Csomolungmája számomra egyértelműen a "Mad Honey" című szám. Erről azért a Himalája jutott eszembe, mert a nepáli rododendron (havasszépe) virágporából készült enyhén hallucinogén mézet hívják "mad honey"-nak.

Jó lenne ezt élőben is meghallgatni a többi klasszikussal együtt egy budapesti klubkoncerten. Reméljük, a búcsúturnénak lesz egy európai köre is. Vagy még jobb ötletem van! Ha még mindig ilyen minőségű albumokat írnak, minek erőltetni a búcsút egyáltalán?

Tartuffe

Kiadó:
Progressive Promotion Records

Honlapok:
www.gray-matters.de
flamingrow.bandcamp.com
facebook.com/flamingrow

A Flaming Row magyarul nagyjából annyit tesz: parázsló vita. A név mögött gyakorlatilag egy személyben Martin Schnella német zeneszerző és univerzális muzsikus áll, aki valahogyan kiterjedt kapcsolatokra tett szert a progresszív rock és metál világában, így rendre hihetetlen nagy nevekkel dolgozik együtt a lemezein. Névválasztás ide vagy oda, még csendes nézeteltérés sincs, nemhogy parázsló vita azzal kapcsolatban, hogy Schnella igen tehetséges dalszerző, aki a progresszív műfaj teljes repertoárját ismeri, és táplálkozik is belőle.

Az első Flaming Row lemez (Elinoire) nálam hatalmasat durrant (csont nélkül ment is a 2011-es topba), de az azóta megjelent két folytatást (2014-ben és 2019-ben) már nem találtam annyira lehengerlőnek. Valahogy fokozatosan belassult, fölpuhult, elfolkosodott a habitus. Schnella évek óta együtt dolgozik egy bizonyos Melanie Mauval a Grey Matter nevű folkos/akusztikus projektben, ami leginkább Ritchie Blackmore és Candice Night duójára hajaz, és szerencsére ott az ilyenfajta zenei ambícióknak megvan a saját "outlet"-je. Így végre a Flaming Row visszatérhetett az első lemez harapósabb-fémesebb irányvonalához. Remek! Vagy, hogy a korábbi – hogy is mondjam? – nem éppen szuggesztív előadói stílusáról ismert főnököm mondta: Pipa!

A negyedik lemez elkészítésében is nagycsomó ember volt Schnella segítségére – összesen 33 zenész. Igen, nem elírás: 33! Itt csak a legismertebbeket sorolom föl a teljesség igénye nélkül: Glynn Morgan (Threshold), Mike Keneally (Frank Zappa, Joe Satriani), Richard Henshall (Haken, Nova Collective), Leo Margarit (Pain of Salvation), Arjen Lucassen (Ayreon, Star One), Maggy Luyten (Beautiful Sin, Ayreon), Gary Wehrkamp és Brendt Allman (Shadow Gallery) stb. Ütős csapat, nemde?

Az album két változatban jelent meg, van egy angol nyelvű alapkiadás, illetve egy bilingvis, 2 CDs változat, ahol a második korongon a mazochista hajlamú rajongók németül is meghallgathatják a rockopera-szerű opuszt (Hüterin der Schriften). Mielőtt a zenére térnénk, meg kell jegyezzem, hogy Schnella lemezborítókból sosem volt erős; az itt szereplő kvázi-manga karaktert is méltatlannak találom a magas szintű zenei tartalomhoz. A sztorit kifejezetten Schnella fölkérésére találta ki és fogalmazta meg egy Christian Dolle nevű fantasy-író. Sajnos nem tudom megmondani, hogy ez nagy név-e szakmában, mivel a fantasy-világgal ki lehet kergetni a világból... Aki a történet részleteire kíváncsi, az tájékozódjon a szerző bandcamp oldaláról.

A zene viszont nagyon adja... Végre visszatért a dög, a kellő szenvedély – hogy stílusos legyek: a parázs – a Flaming Row-ba. A közel 80 perces koncept-album változatos zenei utazás a különböző stílusok, hangzások és hangulatok között, amibe belefér némi szaxonfon és hegedű, djentes riffelés és Spock’s Beardet idéző 4 szólamú kórus is. És még sok minden más... Egyszerre hallgatva talán sok is. Az biztos, hogy kisebb falatokban fogyasztva könnyebb lesz az emésztés, kivéve, ha valaki a progresszív műfajban is az ún. "supersizing" híve - és már hozzászokott az ilyesmihez. Csak ajánlani tudom az anyagot, tőlem kap is egy " minden bizonnyal toplistás" besorolást.

Tartuffe

Kiadó:
Escape Music

Honlap:
www.escape-music.com

Milyen jó nekünk, hogy a DionysosRising keretei között bármit megtehetünk: most éppen kérjük kölcsön Marty McFly DeLorean DMC–12-jét és utazzunk vissza… hová? Találjátok ki, segítek: virtuóz, füstölgő gitárszólók, gyomordöngető riffek, a sziréneket megszégyenítő énekesek, az AOR, glam és a hard rock metszéspontjában lévő zenei stílus, amerikai életérzés, himnuszok minden mennyiségben, és talán még a mellig kigombolt ingek, valamint a feltupírozott hajkoronák sem hiányoznak.  Az útnak azonban még nincs vége, hiszen itt vannak a füstöt bőven adagoló gépek által misztikussá, vagy gyönyört okozó forgataggá varázsolt színpadok is, ahonnan a nosztalgia mindent elborító érzése varázsol jóleső deja vu-t, megidézve egy olyan aranykorszakot, aminek újbóli megteremtésére jelenünk kijózanító valóságában annyi az esély, mint egyszeri politikusnak kedvenc vesszőparipáján, az ígéreteken a hatalomba lovagolni.

Persze lehet mondani, hogy csaltam, mert igazából saját "boomer" korosztályomat ültettem bele az időgépként funkcionáló autóba, hiszen – és nem volt könnyű kitalálni – úti célunk az elmúlt évszázad nyolcvanas éveinek Amerikája, a Sunset Strip arénametál szubkultúrája, ahol hetente tűntek fel a semmiből a szerencsét próbáló korszakos zsenik, és ahol a pénzéhes producerek a naiv zenészeket nemcsak kirabolták, hanem milliomossá is tették, lehetőséget biztosítva a nők-alkohol-drogok-rock’n'roll által fémjelzett hedonizmus oltárán bálvánnyá merevedni, vagy egy-két évtized alatt hamuvá égni.

Mindemellett térjünk vissza a valóságba: megmondom őszintén, hogy fogalmam sem volt, ki is az az egzotikusnak tűnő névvel rendelkező Khalil Turk, és ha jelen album megjelenése előtt megkérdeztek, minden bizonnyal egy török szőnyegárusra tippeltem volna, de mivel mégiscsak egy zenei blog vagyunk, talán a Mezarkabul általam nem ismert valamelyik tagját említem. A nemzetközi undergroundban oly nagyra tisztelt török power brigádnak azonban nincs sok köze az ismertetőm elején említett időutazáshoz, úgyhogy kénytelen voltam legjobb információbarátomhoz, a Metal Encyclopediához fordulni. Nos, az említett úriember (nem, nem az Encyclopedia, hanem Turk) – aki az idén általam recenzált, fantasztikusan sikerült "Sign Of The Wolf"-nak készítésében működött közre – nem zenész, hanem az Escape Music kiadó producere, így viszont már érthető, hogy is sikerült neki a DeLorannal, vagy anélkül a nyolcvanas éveket megidézni képes zenészeket összegyűjteni és egy olyan albumot elkészíttetni, amiben minden ott van, amiért negyven éve sírjuk vissza az amerikai hard rock kamaszlelkeket megérintő, tökéletesre polírozott világát.

De nézzük csak említés szintjén, kik is a közreműködők: James Labrie (Dream Theater), Hary Hess (Harem Scarem), Steve Walsh (Kansas), Steve Overland (FM), Dino Jelusick (Jelusick), Robin McAuley (MSG), Glenn Hughes (Deep Purple), Marty Friedman (Megadeth), Andrew Freeman (Lynch Mob), Kee Marcello (Europe), Jimmy Westerlund (Giant), Howard Leese (Heart), Doug Aldrich (Dio)…és még sorolhatnám ezt a zenei szupercsapatot, de minek – ennyi TOP-listás zenész csak azért adhat okot az aggodalomra, mert a jó magyar közmondás szerint két dudás nem fér meg egy csárdában, itt pedig tucatjával fordulnak meg azok a nevek, melyeknek említésétől nagyot dobban a fémszív, és a DeLorean utasai akár a már említett fémszívet (és lelküket) is képesek lennének odaadni az utazásra feljogosító beszállókártyáért.

Nos, én azonban amellett, hogy még képes vagyok hinni pusztán a nevek erejében, túl sok Frontiers kiadványt hallgattam meg ahhoz, hogy ne óvatosan álljak hozzá a zenei anyaghoz, ami készülhetett volna a tömegtermelésre beállt bérprofik (illetve most már az AI) műhelyében is, lélek nélkül, a számtalanszor felhasznált panelek ide-odatologatásával, de gyorsan megnyugtatok mindenkit, az elvárások ezúttal közelítenek a rideg meleg valósághoz: James LaBrie, aki szólódolgaiban, illetve vendégszerepléseiben hajlamos az anyahajóra tartalékolt dallamokat felülmúlni, ezúttal is úgy gyújtja be a rakétákat, ahogy az egy ilyen patinás névtől illik, és szerencsére a folytatás is képes a reménykedő elvárásoknak megfelelni.

Nem fogom egyenként kivesézni a dalokat, úgy gondolom, elég néhány zenei benyomást rögzítenem ahhoz, hogy a hozzám hasonló rutinos célközönség egy-két szóból is megértse, miről is beszélek. A "City Of Lights" orientális kezdése, ami a gitárszólóba inkarnálódva hívogat Ali Baba kincses barlangjába, az "In the Shadows of the Night" misztikus hangulatából kibontakozó aréna-téma, a "Bag Of Your Bones" páros gitárszólója, a "The Voice Inside" Hammond szabadversenye, az "I Am The Night" szivárványt bontakoztató Dio világlátása, és a kedvencem, a Nikolo Kotzev "Nostradamus"-át idéző, szimfonikusokkal finoman átszőtt "History" epikus slágerteremtése olyan minőséget testesítenek meg, amiért képesek vagyunk megérteni, miért is fordult a zeneipar a grunge felé: ha az út eléri a tökéletességet, nincs hova tovább menni, és talán érdemes egy másik ösvényt keresni a kincsvadászathoz – ami azonban már egy másik generáció feladata lehet. 

Mi azonban állítsuk le a DeLorean motorját, mert megtaláltuk azt, amit akartunk: órányi időtartamra fiatalságunk azon éveit, amikor még minden lehetségesnek tűnt, még az is, hogy Alsópiripócsról elindulva mi is lehetünk az újságok címlapjaira kívánkozó idolok. Kár, hogy a felnőttkor kijózanító valósában ma már tudjuk: csodák nincsenek, csak pótszerek, melyekből az egyik legjobb a zene, erre pedig nem is kell más bizonyíték, mint ez a csodálatos album. Készen állsz hát az utazásra?

Garael

Kiadó:
Geffen Records

Nem vagyok abban biztos, hogy a "Vörös Rocker" nem túl finoman erekcióra utaló című szólólemeze (a "standing hampton" cockney brit angolsággal merev hímtagot jelent) az "elfeledett" kategóriába sorolható, de az tuti, hogy "jeles" és "mesterremek". Hagar neve olyannyira összefonódott a Van Halen kettes fölállásával, hogy sokan hajlamosak elfelejteni: bizony volt élet(e) a "Vén Helén" előtt is: a '70-es évek elején kiadott két lemezt a Montrose-zal, valamint megjelent 8 (!) szólólemeze, mielőtt csatlakozott Eddie-ékhez, de utána is: még több szólólemezzel és két Chickenfoot albummal (ja, és ne felejtsük a korábban nálunk már hivatkozott Hagar-Schon-Aaronson-Schrieve projektet sem!). Elképesztő életút, hihetetlenül gazdag katalógus!

A "Standing Hampton" volt az első szóló erőfeszítés, amelyet a Capitoltól elpártoló előadó már a Geffennél jelentetett meg, és amely áttörő sikert és platina minősítést hozott neki - nyilván nem véletlenül. Az akkoriban szokásos 42 percre belőtt játékidejű kiadvány - talán a címétől eltekintve - majdnem végig kiemelkedő alkotás. Kicsit kilóg a határozottan The Cars-jellegű "Surrender", de az sem lapos darab; talán az "Inside Lookin' In" az egyetlen felejthető tölteléknóta. Egyébként a hangzás is rendben van; még nem jellemzi annyira a '80-as éveket később szó szerint kiherélő tompa, puffogó hangzás.

Voltaképp szerepelt már nálunk ez a lemez az ügyeletes kedvenc rovatban. Akkor CsiGabiGa a lemezt lezáró földolgozást, a Janis Joplintól is simert Erma Franklin-dalt, a "Piece Of My Heart"-ot méltatta - jogosan. Persze az album nagy slágere az MTV-n is sokat játszott "I'll Fall In Love Again" volt, illetve az a "There's Only One Way To Rock", amit Eddie olyan nagyra becsült, hogy hajlandó volt eljátszani Van Halen koncerteken is.

Minden rockernek - főleg a fiataloknak, akikre ráfér némi rocktörténelmi alapozás - érdemes "átnyálazni" a Sammy Hagar életutat, mert a Van Halenen kívül is rendre rátalálhatnak finomságokra, nagyszerű dalokra. Egyszer alighanem érdemes lenne az 1987-es "I Never Said Goodbye"-t is sorra venni, a Van Halen mellett szerződésbeli kötelességből (mindössze 10 nap alatt) rögzített lemez ugyanis a sietség ellenére fantasztikusan sikerült.

Végezetül - amolyan bónuszként - álljon itt az az idén áprilisban kiadott Hagar-Satriani közös szerzemény, ami a világ egyik legzseniálisabb és legnagyobb hatású rockgitárosának, Eddie Van Halennek állít méltó emléket. Még Wolfie is megkönnyezte... mint ahogy én is...

Tartuffe